当表演（绘画）成为艺术

当表演（绘画）成为艺术：

我们在姿势速写课上只用过钢笔和墨水笔，这么做的原因是，我们尝试去将绘画的功能从手部去除，而转移到意识中去。这是为了消除掉一种演绎的倾向，也为了锻炼眼睛一眼就能够真正去看到动态，而不是通过在纸上进行大量的探索和画很多多余的线条来感受出来。最终，在Flash动画制作当中，这种探索的方法也许会是你动画创作上的风格，那时你面前将不再有模特可以倚靠。 我曾争辩说，在有模特的绘图情况下，动作都已经摆在那里了，所以没有必要再去探索什么。使用铅笔能够强迫一个人在脑海中提炼出一个动作的精髓，然后把看到的东西画出来。另一方面，我是不会在一条轮廓上使用大量的线条作为涂鸦的，因为这可能会成为一种习惯而让人产生依赖。 有时候，误打误撞可能会在大量的曲折的线条中产生出好的作品，但其实你只需要挑选出最好的便可。当然，当你面前没有模特，当你脑海里还没有对你需要的姿势理清思路的时候，要尽一切可能寻找。另一方面，运用我们的动力学感觉，我们在绘画课的姿势部分特别强调过的(通过自己的身体感受姿势——具有生命的姿势)。体会那个动作，了解它，在每一个场景里这都是捕捉动作的捷径。这两种绘画方法都是无价之宝。但是我认为知道两者的区别，能够自由地使用两者是更为重要的。 斯坦尼斯拉夫斯基在他的《演员的自我修养》一书里描述道，“我们艺术建立的有机基础会保护你在未来不走向错误的方向”，他所谈到的有机的基础是指情绪激动的共鸣和那些我们努力寻找、观察和了解的自然的身体姿势——通过我们的身体和想法去了解，那么我们就可以将它们转化到纸上。正如他说的那样，“如果不活在我们的艺术之中，想象力便蒸发了，取而代之是戏剧化的哗众取宠”。在书中，他还写道，“在我们的艺术中，你所表演的每一个部分你都要活在其中，每一次都是如此”。在另一页上他写道，“你必须小心使用镜子，它教会演员更多地注意外界而不是内心”。在我们的课上，没有使用镜子，用的是模特，如果我们仅仅去临摹他，那么他和镜子的功能没有区别。斯坦尼斯拉夫斯基提到，“永远不要允许自己描述自己没有经验的或是不感兴趣的事情”。 

依葫芦画瓢地将模特转化在纸上：临摹或是按照公式去绘画，这意味着，用人体结构的示意图、形状和各部分的象征符号去复制，或是按照摄影的手法去复制，仅仅是按照数字去作画。的确存在通用的肢体语言，但是它会随着每个人(或是人物形象)的不同而变化。查理 卓别林对于某些特殊刺激(例如，悲痛或喜悦)的反应，在感情上和纽翰 韦恩是一样的，但他们杰出的动作表演是不一样的类型。如果你尝试去模仿那些演员的话，会先从你的精神层面来模仿他们的姿势，加入你自己肢体运动的调整然后再现他们的动作。这是我们在描绘一个模特姿势的时候会做的事情，除了我们不用自己的身体模仿那些动作——我们用画笔或铅笔进行模仿。 以上所提到的所有仅是为了说明要用心灵的眼睛去观察，用自己的肢体先去感受动作，然后再尝试将其画在纸上。

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