镜头是如何实现动画的所谓“张力”的：
好的动画片让人赏心悦目，但也会有一些动画让人提不起精神，这种差距很可能体现在导演对于画面把握上，那么一部优秀的动画设计制作为什么会让人觉得赏心悦目呢？有些人说，是因为一部动画的画面充满了“张力”，那么所谓的“张力”又到底是什么呢？
我认为画面的张力，其实是经由“演出”实现的，所谓“演出”，就是如何通过镜头来实现导演想要表达的画面的技法。那么镜头是如何实现画面的所谓“张力”的呢?我觉得是由画面的“节奏感”所产生的。很多人会问了，“节奏感”不是跟音乐有关联吗？没错，其实在影视动画中，你也能感受到这种所谓的“节奏感”，即便没有任何音乐，一样可以感受到节奏的律动。
例如一些制作精良的同人动画MAD，你看似它是踩着音乐的节奏去编辑的，让人觉得节奏感强烈，实际上，你关掉BGM，也会明显感受到画面的律动，原因就是，它巧妙的利用了影像的特性。
那么画面的特性，从镜头的角度来说，是如何实现的“律动感”的呢？个人认为，大体上跟三个方面有关。
镜头的变化
在简谈动画镜头变换的文章里提到过，如果运镜相当单一，没有变化，会让人觉得画面单调。这就是为什么一些芳文社的四格漫画改编的少女日常，你会觉得虽然妹子画的很萌，但是每集都是千篇一律。
因为这类作品的运镜一般都是很单一的，从近景到特写，又从特写回到了近景，表情变化也很简单，画面要素少，所以会让人觉得千篇一律感;当然，这和这类作品的题材共性也有关系，你在这类作品里做非常复杂的运镜会显得很奇怪，所以平实的运镜来描写日常，会让大众观众比较容易接受。像《物语》系列新房昭之那样，静止画面的大量运用，还有奇特的视角，标志性的演出，未必适合一些轻口味的，小清新的四格漫画的日常，但相对的，画面也确实会变得单一。这就是为什么同样是少女日常的四格漫画改编，《轻音少女》这样的作品能流芳百世，就是因为它在制作的时候就非常注重镜头的变化和设计，既不会让画面单一，也不会让观众苦于理解。
如何让更多的镜头语言去丰富画面，让画面“活起来”，着实是影像创作者要考虑的第一步;从动画角度而言，其实要比实拍电影更容易实现一些新奇的镜头效果，只是反而有些比较常见的效果，只能更改方式实现以节约成本和作画量。
镜头持续的速度
动画的镜头是精确到秒的，因为要确定整部动画的时长。并且一个镜头的时长是非常影响所谓的“节奏感”的。
例如要表现一个快节奏的画面，每个镜头持续时间是尽可能要控制在3秒以内的，如果持续了3秒，就会让人觉得比较漫长，尤其是静态画面的切换，如果超过3秒，一般会让人觉得“这里很重要”，会放慢整部动画画面的节奏。这就是为什么一些治愈系的动画，你会觉得画面的节奏很安逸，而一些热血动画的节奏就很激烈。相反的，如果明明是治愈系的动画，静态画面的切换切很快，就会觉得违和，明明是热血系向的动画，画面持续的时间却总是很慢，就会觉得温吞。导演在掌握镜头持续时间上，是精打细算的。
镜头切换的节点
镜头之间的接驳，也需要符合影像学上的特征，才能让画面的运行节奏更加顺滑，“张力”自然而然的就展现出了。
例如，要描写一系列的动作的时候，它的镜头接驳就需要都保持连贯，例如上图这个丢出锁链后的动作，就需要接锁链丢出后的动态，如果突然给了金闪闪的静态特写，或者给的是安娜的静态特写，就会非常突兀。
相反，一些镜头，用静态的特写去描写角色，再接驳的就应该也是静态的画面，这样在影像学上就比较自然。
如果遵循好了这些影像学上的特点，那么画面就会连贯而流畅。
总结
所谓的画面张力，其实不限制于作品的类型，即便是对白台词比较多的日常，故事的起伏本身没有这么大，依然可以靠精彩的运镜去实现画面的“张力”。谈过《冰菓》就是这么一部作品的典型，很多人觉得《冰菓》无趣，是它没有去读懂镜头运用的魅力，但是有些人就觉得《冰菓》是一部极为精致的作品，就是因为《冰菓》那教科书般的镜头的衔接，设计，让画面“活”了起来，而觉得“无趣”的，其实只是对起伏不大的故事不感兴趣罢了。一部好动画的画面张力，毫无疑问是因为导演对于画面的精心设计而产生的。看动画不能只看表面的“剧情”，看剧情，不如直接看漫画或者小说得了，之所以要花时间看动画，更是要读懂导演通过运动的画面，想要表达给观众的真意。
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